Avenged Sevenfold - Avenged Sevenfold (2007)

Avenged Sevenfold lanzó su tercer y homónimo álbum el 30 de octubre de 2007 con la ayuda de un amplio elenco sinfónico que se desplaza a lo largo del álbum formando gran parte del elenco y la producción del álbum. Esta estrategia y puesta en escena de utilizar el Metal Sinfónico significó un gran cambio para la banda transformando su sonido desde el Metalcore Melódico hacia un sonido del Heavy Metal más tradicional y sencillo.

Metal Alternativo, Metal Sinfónico, Hard Rock

Warner Bros.

Mi Calificación 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Almost Easy, Dear God, Lost

A pesar del cambio repentino, y gracias a esto, Avenged Sevenfold se convirtió en su primer álbum número uno y un álbum que les hizo acrecentar su base de fans en un porcentaje de casi el doble de oyentes convirtiéndose en una de las bandas más populares del momento en aquellos años dentro del género junto a System of a Down o Disturbed entre otras.

Sin embargo, el álbum no merece tanta fama musicalmente hablando como comercialmente. El dinamismo y la guitarra de Synyster Gates posiblemente es lo mejor del álbum y lo que define el sonido como algo nuevo y un sonido más disfrutable que los anteriores álbum con mucho más "ruido" insignificante y brutal ya que también varios de los clásicos de la banda (como Scream, Almost Easy, Lost, Afterlife y Dear God) se encuentran aquí. La producción fue costosa y realmente es buena pero muchas veces un artista no puede estar a la altura de las circunstancias para igualar a esta y aprovecharla al máximo. Avenged Sevenfold sigue teniendo un sonido juvenil y una fachada rockera con poco lujo que a pesar de eso, lograron grandes cosas y definirse como una de las bandas del momento y de la década en cuanto a popularidad como mencione anteriormente.

Por otro lado, cuando un artista abandona una postura y se vuelca en otro ámbito siempre va ser criticado para bien o para mal debido a que el foco de atención es repentinamente guiado y adaptado para otro público con una aceptación diferente y otro tipo de digestión musical, "haters" los hay, por todos lados.

Sin más preámbulo, yo creo que el sonido pesado de guitarra sigue siendo buenísimo, Almost Easy posee una cadencia de sonido envidiable en su riff, Dear God es una linda balada con gran influencia soft country, A Little Piece of Heaven es una cancion bastante variada y quizás la mas peculiar de ellos como también la mas vanguardista con coros, trompetas y un ritmo rápido y alegre y también podemos encontrar canciones mas corrientes y tradicionales como Critical Acclaim y Afterlife que todas en conjunto muestran el trabajo más convincente de la banda hasta el momento.

The Tallest Man on Earth - Shallow Grave (2008)

Shallow Grave es el álbum de estudio debut del cantautor de Folk sueco, Kristian Matsson mejor conocido como The Tallest Man on Earth, lanzado el 5 de marzo de 2008. Shallow Grave ha tenido diversas críticas en donde resaltan lo simple que puede parecer la música con una compleja poesía como la de Matsson en la que no se saturan los recursos poéticos.

Contemporary Folk, Singer / Songwriter
Gravitation Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: I Won't Be Found, Honey Won't You Let Me In, The Gardener, Into The Steam

Las metáforas, el entusiasmo y la performance de la canción agridulce que genera son canciones realmente sólidas y agradables que poseen un ritmo rápido pero sutil gracias a la gran habilidad de Matsson en el arpegio de la guitarra y en el banjo en menor medida como en la canción homónima del álbum.

Shallow Grave está grabado sin arreglo abundante sino que sólo se enfoca en la áspera voz del artista que es inevitable hacer una comparación con el primer Dylan, hijo prodigio de la música oriunda de paisajes rurales de hace unos 50 años y creo que la comparación es con un mensaje de comparación por parte de The Tallest Man debido a que este tuvo un debut mucho más sólido y formidable que el padre de la canción Folk moderna y norteamericana como lo es Bob. Su guitarra es mucho más protagonista y su mensaje el más profundo y bello en varios año dentro del Folk tradicional.

No posee estrategias extraordinarias ni un pensamiento constante que delate algo innovador en la forma de ser del artista, o quizás si lo sea y este teniendo una suposición errónea pero sin embargo la realidad es que la escucha de Shallow Grave siempre sonará bella y agradable, un pasaje hacia algo simple y confortable.

Linkin Park - Minutes to Midnight (2007)

Luego de los primeros años de Linkin Park en donde las canciones melancólicas se mezclaban con estruendosos sonidos de estilo Nu Metal con los versos de Shinoda y Chester, Minutes to Midnight bajaría los decibeles a los que estaban acostumbrados a escuchar sobre ellos mostrando una faceta renovada y mas elegante de la banda. Las influencias del Rap Metal quedaron atrás y Chester Bennington tomaría el protagonismo vocal casi autoritariamente dejando pocos espacios al Rap de Mike Shinoda y hasta para el suyo lo que da como fruto una involucración de la banda en el Rock y Metal Alternativo. El álbum fue lanzado el 15 de mayo de 2007 y producido por Mike Shinoda y Rick Rubin.

Rock Alternativo, Metal Alternativo, Pop Rock
Warner Bros.

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Given Up; What I've Done, Valentine's Day

La banda optó por renovar el sonido alejándose del recurso musical del Rap y de la participación del Dj con sus efectos de turntablism (girar los vinilos en la consola) y enfocándose en un aspecto más maduro pero más depresivo por parte de las composiciones, las canciones pasaron de ser agridulces a ser más oscuras y depresivas.

Minutes to Midnight fue en mi opinión una estrategia arremetida y desesperada por involucrarse en un terreno más comercial y más moderno y maduro que sus inicios pero con letras demasiado densas y aburridas, una herida que Linkin Park no pudo sanar desde su formación, la forma en que componen sus letras. A pesar de esto, se encuentran algunos de las más conocidas canciones de la banda como la exagerada Given Up, la balada Leave Out All The Rest y What I´ve Done.

Todos los sencillos y canciones más populares se encuentran en la primera mitad del álbum mientras que la segunda mitad vuelve el álbum muy denso e interminable. El hecho de que se halla profundizado una marca emocional por parte de la banda y que sus instrumentos se hallan vuelto por parte un elemento que no crea ritmos propicios ni siquiera canciones que se puedan considerar entretenidas o buenas forma un cambio rotundo en una banda que estaba yendo por un buen camino.

St. Vincent - Marry Me (2007)

El 10 de Julio de 2007 la cantante y multiinstrumentalista estadounidense Annie Clark más conocida como St. Vincent lanza su álbum debut Marry Me. El álbum es una performance del todo suave y tranquila y se trata de una de las obras más polifacéticas del artista que como toda primera impresión hizo valer realmente la talla de artista que es. Marry Me presentó a la artista en el mundo musical como una persona inteligente, talentosa, interesante y por sobre todo muy buena receptora de la música en general que ella de inmediato lo transformaría en una interpretación gloriosa.

Indie Pop, Art Pop
Beggars Banquet

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Your Lips Are Red; Paris Is Burning; Human Racing; What Me Worry

A pesar de conservar tanta influencia y poder transformarla a su esencia con su sello, Marry Me se mantiene como un álbum simple, suave y sin complejidad a pesar también de la gran cantidad de instrumentos que se implementó pero que fueron realmente elegidos de manera genial en cada compás y cada momento determinado del álbum y es que la referencia más grande va destinada a los instrumentos de cuerda que le dan el toque del Chamber Pop y el gran sonido barroco, cabe destacar que Clark llegó a tocar hasta 12 instrumentos logrando música no tan "cargada". A flor de piel quedan las influencias de diferentes artistas como lo podría ser su amigo Sufjan Stevens y de otros artistas de talla aún más grande como Bjork o David Bowie.

La composición en general dentro de Marry Me trata en profundidad sobre el amor, intensas canciones con metáforas dulces como en Your Lips Are Red o All My Stars Aligned mientras que otras son mucho más profundas en tema de relaciones intrapersonales como Marry Me y Human Racing. 

Marry Me realmente fue un gran debut sólido y talentoso para una artista que se convertiría en una de las figuras femeninas más importantes del nuevo siglo. Simple y meloso, este álbum es una gran entrega de poder a los oídos de cualquiera.

System of a Down - Steal This Album! (2002)

Luego del boom del gran segundo álbum de la banda que superó toda expectativa, System tenía que tener en mente mantener ese nivel de metal Avant-garde para poder seguir significando algo muy grande e importante para el género, si bien ya se habían identificado como potencia mundial, Steal This Album! bajaría rápidamente a la banda de dicha representación.
En contraste con trabajo anteriores, Steal This Album! tiene una producción muy rústica que hizo que en mi parecer desluciera totalmente el sonido de la banda y es que el sonido de un año a otro hace notar un gran cambio y es que realmente me sorprendió debido a que la producción fue hecha por un grande de la industria, Rick Rubin. A pesar de esto, la banda siguió manteniendo hasta aquí un mismo estilo dinámico con pausas mezclando el enojo y el dramatismo de la voz de Serj Tankian con varios riff cortos y poderosos como también ritmos bruscos que marca John Dolmayan en la batería, una de las mejores características del álbum, su percusión.

Metal Alternativo
American Recordings

Steal This Album! posiblemente es el álbum con mas referencias e influencias de sonidos de Europa del Este, recordemos que todos los integrantes de System son de descendencia o incluso nietos de familias provenientes de Armenia y esto lo podemos notar en la forma de cantar en varias canciones, los coros en "I-E-A-I-A-I-O", la inclusión del instrumento laúd en "Nunguns".

Si bien System siempre lleva un contexto político o un gran manifiesto dentro del repertorio de la banda, este álbum mantiene un equilibrio notorio entre canciones ridículas de la banda con canciones que realmente valen la pena y podrían haber hecho realmente un "Toxicity II" como aquel que rondaba por la internet ilegalmente hace quince años, pero la realidad es que este fue su intento fallido y una caída sobre algodones de la banda en general. Hablando de política y el descontento del álbum, en esta oportunidad la banda dedica canciones a un problema generalizado y es nuestro sistema cotidiano que nos domina dia a dia, la globalización, la innecesaria ambición humana por el dinero y el poder y también por sobre todo un repudio total a las armas y las guerras, quizás las más políticas son "Boom!", "Nunguns" y la más directa e inteligente "A.D.D. (American Dream Denial)" en donde repudian el sueño americano en general, ese sueño anhelado por todos en donde uno llega a la plenitud haciendo negocios y obviamente mucho dinero. - No hay bandera que sea lo suficientemente grande para esconder la vergüenza de un hombre esposado, cambiaste las señales y cerraste nuestras persianas -.

Completamente esta es la parte más lúcida del álbum y la más inteligente por parte de uno de los mejores compositores del metal más moderno, sin embargo, Steal This Album! esta cargado de notas, minutos y frases innecesarias en todo momento como en "36", "Fuck The System", "Pictures" y hasta la vulgar "Chic n Stu", pero sobre todo nos dejo un gusto agridulce cerrando quizás el mejor ciclo de la banda, pudo haber sido peor.

Lista de Canciones:

1. Chic n Stu 2:55
2. Innervision 2:35
3. Bubbles 1:58
4. Boom! 2:16
5. Nunguns 2:32
6. A.D.D. 3:19
7. Mr. Jack 4:11
8. I-E-A-I-A-I-O 3:10
9. 36 0:48
10. Pictures 2:08
11. Highway Song 3:15
12. Fuck The System 2:14
13. Ego Brain 3:23
14. Thetawaves 2:38
15. Roulette 3:23
16. Streamline 3:37

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

1. 
   

Beach House - Beach House (2006)

Beach House se formó como un dúo de Dream Pop en Baltimore en Estados Unidos en el año 2004, dos años después lanzan su primer álbum con el nombre homónimo adquiriendo rápidamente una popularidad eficaz dentro del género que muchas veces mucha gente lo mantiene olvidado es decir, es un género con mucho menos popularidad que el Pop de radio o el Rock Alternativo si también se requiere la comparación.

Dream Pop, Indie Pop
Carpark Records

El álbum no varía mucho en revoluciones y es un pasaje de canciones etéreas en donde las composiciones de ambos se mezclan entre el sonido de Alex Scally en órgano y sintetizadores con la fría y seria voz de Victoria Legrand con letras de amor, entrañable pasión y que irán mostrando la intención real de las canciones del dúo en donde un momento llegan a ponerse densas aunque realmente sean muy buenas como en Tokyo Witch - Nuestro objetivo es un calvario de nuestros errores. Me encantaría curarte ahora, en un oscuro invierno de Tokyo -. o en la mejor canción del álbum, Apple Orchard - mantén tus entrañas porque estas frío por las noches, calienta tu corazón amor, porque estas a mi lado, tumbémonos un rato - respaldando una típica fórmula de canciones del género en donde se puede recrear un paisaje juvenil, vivo y por sobre todo muy empalagoso con el sonido electrónico y embriagador de fondo.
Realemente, el recurso más rico y propicio que posee Beach House es la profundidad de sus letras debido a que sigue siendo un sonido muy básico con "voz y sonido" nada más que eso volviéndolo un álbum que quizás es muy fácil de recrear o e inclusive de mejorar.
La gran desventaja que muestra el álbum frente a la melodía de la vocalista y el músico es la despareja producción que se creo dentro del sonido del álbum que en todo momento opaca a la vocalista, la voz se nota opaca, lejana y deslucida por el sonido de un pop soñador que quizás si se hubiese elaborado de otra manera más definida sería otra historia pero lo cierto es que fue un pequeño gran avance para artistas de una gran talla de las últimas dos décadas. Con composiciones cortas y poéticas Beach House se adentra en el mundo del Dream Pop para luego tomar el mando por completo. Cabe destacar un pequeño detalle, los músicos no son parejas y las letras no juegan como dedicaciones mutuas sino que son amigos desde la infancia que saben hacer poesía profunda con letras simples.

Lista de Canciones:

1. Saltwater 2:55
2. Tokyo Witch 3:42
3. Apple Orchard 4:31
4. Master of None 3:19
5. Auburn and Ivory 4:30
6. Childhood 3:35
7. Lovelier Girl 3:02
8. Houses on The Hill 3:14
9. Heart and Lungs 7:50

Mi Calificación: 3 / 5

Mejores Canciones: Tokyo Witch; Apple Orchard

Kanye West - Late Registration (2005)

Después de increiblemente romper las espectativas de la mayoría de los artistas del hip hop en el momento de su primer álbum, Kanye Omari West lanza su segundo álbum al año siguiente de nuevo teniendo como a protagonista a esta figura de oso pardo en su portada y lo que lo identificaría en su primera etapa como artista durante la década de los años 2000.
Luego de crear un envión y una chispa de esperanza para el futuro del género, a West esta vez le tocaba seguir su propio legado y decir -"Bueno, y ahora que sigue?" y en un año y medio después de su primer álbum su carrera continuaría con Late Registration, un álbum extenso, un álbum con una diversidad grandiosa y que muestra lo realmente Avant-Garde del género, es dificil no hablar de experimentación y el Avant-Garde si hablamos de Kanye West y viceversa también.

Hip Hop, Pop Rap
Roc-A-Fella Records

Late Registration para mi opinión y por deducción obvia y fácil es el álbum de más proceso histórico en la discografía de Kanye West, que quiero decir? que es el álbum con mayor presencia de influencias históricas, osea de géneros ya altamente desarrollados, influencia de metales, influencias de Rhythm and Blues, Soul, Gospel y la ayuda intermitente y siempre presente de la tecnología actual que logra mezclar todos estos componentes con el imponente flujo de Kanye. Todas estos argumentos formaron un álbum mucho más uniforme que lo que fue The College Dropout pero evidentemente quizás este fue más importante debido a lo importante que es la primera impresión.
El álbum es muy introspectivo y lo que tiene en especial es que desborda en musicalización realmente suena a una pieza de hace casi treinta años pero teniendo ese flujo impecable del hip hop moderno. La producción sinceramente es buenisima, como ya dije anteriormente Late Registration goza de una diversidad enorme de sonidos tanto suaves (Roses, Addiction, Hey Mama) como por momentos explosivos (Touch The Sky, Gold Digger) pero siempre con un ritmo alegre corto y sencillo.
Haciendo un seguimiento de las canciones más importantes del álbum: Heard 'Em Say es sincera y reflexiva - Y nada dura para siempre pero puede ser que sea la única manera -; Touch The Sky con un jóven Lupe Fiasco como colaborador es sencillamente una obra maestra teniendo en cuenta la gran presencia de metales como trompetas al estilo Big Band en pocas palabras transmite - Después de mi avance, solo quería brillar - de nuevo haciendo una autoreferencia arrogante de el mismo pero que luego se rectifica con un - Estoy tratando de corregir mis errores pero es gracioso que los mismos errores me hallan ayudado a escribir esta canción-.
Gold Digger con el reconocido actor Jamie Foxx tiene el carisma de una canción autóctona de Hip-Hop con un sampleo que pareciera sacada de una canción de Willie Dixon o de otro artista de Rhythm and Blues pero es en realidad el mismo actor que protagoniza esta voz y esta base creativamente. Otras canciones como Addiction, Hey Mama y Roses son de tempos más suaves y son las más debiles del álbum pero, ¿saben que? a pesar de ser las más debiles, hoy serían de las mejores en el circuito del rap, significa que hasta las canciones no tan potentes de este álbum son buenisimas. Todas con un ritmo correcto y colaboraciones profesionales como The Game (no incluido originalmente), Jay-Z en el remix Diamonds From Sierra Leone, ironicamente el diamante en bruto del álbum, Nas, Really Doe, Paul Wall y GLC y también Brandy lo convierten en un trabajo totalmente en equipo y numeroso.
El turno especial esta vez lo haré para dos canciones: Diamonds From Sierra Leone y Late.
Ambas poseen una habilidad de sampleo muy uniforme y corta que las convierten en canciones con ritmo muy contagioso pero lo que las diferencian es que Diamonds fue el hit y el sencillo líder pop de West durante sus primeros años y es que también sostiene un poder altamente político y hablo de la canción original y no del remix que prefieren otros. Cerrando con Late me pongo a pensar si realmente Late Registration es mejor que su debut, solo me tomó dos minutos en decir, si lo es, pero no es un álbum perfecto solo por pequeños detalles.
Aún así, el álbum ya muestra a Kanye West como uno de los mejores productores del siglo XXI y como una figura sumamente popular y vanguardista en el mundo de la música.

Lista de Canciones:

1. Wake Up Mr. West 0:41
2. Heard 'Em Say 3:25
3. Touch The Sky 3:56
4. Gold Digger 3:27
5. Skit #1 0:33
6. Drive Slow 4:32
7. My Way Home 1:43
8. Crack Music 4:21
9. Roses 4:05
10. Bring Me Down 3:19
11. Addiction 4:27
12. Skit #2 0:31
13. Diamonds From Sierra Leone (Remix) 3:53
14. We Major 7:28
15. Skit #3 0:24
16. Hey Mama 5:05
17. Celebration 3:18
18. Skit #4 1:19
19. Gone 5:32
20. Diamonds From Sierra Leone (Bonus Track, Original) 3:58
21. Late (Bonus Track) 3:50

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Heard 'Em Say, Touch The Sky, Crack Music, We Major, Diamonds From Sierra Leone, Late

Florence + The Machine - Lungs (2009)

Florence + The Machine presenta su álbum debut el 6 de Julio de 2009. El conjunto británico presenta como la protagonista casi totalitaria a Florence Welch, la cara de este grupo que hace total reverencia a su potente voz como cantante pop devolviéndola aquí y acompañándola con una producción ambiciosa, poderosa y también tranquila en donde podemos oir tenuemente harpas y una buena percusión a lo largo del álbum, cabe destacar que trabajaron cuatro productores con la banda. Lungs es un álbum consistente entre canción y canción, fue un arranque muy positivo en lo que respecta para la banda teniendo diferentes influencias en el álbum y con los que también fueron comparados como Kate Bush, Lily Allen y hasta compararon a Florence con la voz de Amy Winehouse.

Indie Pop, Chamber Pop
Island Records

En principio podemos escuchar las canciones que se pueden identificar como éxitos pop como la inspiradora "Dogs Days Are Over" y la alegre y potente "Rabbit Heart (Raise It Up)". Luego durante el medio del álbum encontramos la parte más activa, rockera y percusiva del álbum con "Kiss With a Fist" el primer single de la banda también su canción más juvenil pero con peor composición artística, la rockera con toques de blues "Girl With One Eye" donde todos los ruidos del álbum se hacen a un lado para escuchar sola a una confesional Florence, una de las canciones que tampoco es de mi preferencia.

La producción e instrumentalización de "My Boy Builds Coffins", "Drumming Song" y  "Cosmic Love" hacia el final son sin dudas las mejores. El álbum libera emociones desde que empieza hasta que termina, es romántico y melódico mezclándo los sentimientos con grandes influencias de otros géneros como el Folk, el Rock y el Soul pero si bien el sonido se mantiene, a veces sorprende la diferencia que hay entre la lírica entre canción y canción creando canciones tan simples y carentes de profundidad con algunas que son poéticas e impactantes como también profundas.

Lista de Canciones:

1. Dogs Days Are Over 4:13
2. Rabbit Heart (Raise It Up) 3:52
3. I'm Not Calling You a Liar 3:05
4. Howl 3:34
5. Kiss With a Fist 2:04
6. Girl With One Eye 3:39
7. Drumming Song 3:44
8. Between Two Lungs 4:09
9. Cosmic Love 4:16
10. My Boy Builds Coffins 2:57
11. Hurricane Drunk 3:13
12. Blinding 4:40
13. You've Got The Love 2:49

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas

Mejores Cnaciones: Rabbit Heart (Raise It Up); My Boy Builds Coffins, Hurricane Drunk

The Strokes - Room On Fire (2003)

Una vez que The Strokes presentó su primer EP y su primer álbum de estudio y ya con dos años de vigencia en el mercado y en el mundo musical, era innegable que las expectativas por el segundo serían altas. Room On Fire se lanzó el 28 de Octubre de 2003.
Si bien las banda cambian muchas veces radicalmente su sonido, este trabajo suena similar en lo anterior como si fuese la segunda parte de Is This It pero en cambio no llegaría a lograr lo mismo, este primero generó en masa lo que sería un gran empujón al Indie Rock por lo mediático y popular que fue. En Room On Fire la producción a cargo de Gordon Raphael como en sus inicios es buena y aceptable, el trabajo del sonido y masterización le dan un efecto y sonido áspero en general.

Garage Rock Revival; Indie Rock
RCA

La primera parte del álbum es la más creativa,la más variada y la que contiene las canciones más populares pero pasando los minutos el álbum genera un gran contraste pero las canciones que impulsan su sonido son las primeras cuatro con "What Ever Happened?" entre las mejores canciones de la banda con un toque de melancolía en donde Julian Casablancas (voz y composición) al componer esta canción agridulce de amor hace por lejos una de sus mejores versiones como también lo hace en "Reptilia" que vuelve a demostrar esa juventud vibrante todavía en la banda pero más ambiciosa doblegando la apuesta de las primeras canciones de la banda y es que es la mejor del grupo por lejos y quizás la más popular también donde se destaca el solo y de nuevo la simpleza que tiene Casablancas al escribirla. Si bien no es una canción extrovertida ni compleja es una de las mejores canciones de rock de la década con influencias de Post-Punk muy vigentes.

En otras partes y más puntualmente podemos destacar a "Automatic Stop" como la canción más seria de composición corta con guitarras emulando un sonido de sintetizadores que a pesar de que no me gusto ahí aparece entre el segundo y tercer verso un riff que salva el sonido entero. "12:51" presentada como el primer single de la banda presenta el sonido más electrónico y la canción con el menos sonido "The Strokes" hasta el momento donde cierra el mejor pasaje del álbum.

La segunda parte del álbum si bien es un poco más variada baja la calidad de las canciones y de las interpretaciones amorosas por parte de las composiciones, los triángulos de amor, los solos más tranquilos, sonidos más tenues y lentos como en "Under Control" que es la más destacada con bajas revoluciones, un Casablancas distinto y una guitarra capaz de opacar al mismo cantante.

Si bien era tarea difícil igualar el poder de su álbum anterior, The Strokes fue capaz de decir que no solo iban a ser banda de un solo éxito sino que las bases de la banda aquí sostienen un rendimiento profesional como músicos a pesar de las exigencias y lo hicieron con un sonido simple con más ayuda profesional y con más calma y por sobretodo con un Julian más afianzado y confiado al escribir canciones, canciones que aquí se tornan más empalagosas, serias y amorosas.

Lista de Canciones:

1. What Ever Happened? 2:54
2. Reptilia 3:41
3. Automatic Stop 3:26
4. 12:51 2:33
5. You Way Talk Too Much 3:04
6. Between Love & Hate 3:15
7. Meet Me In The Bathroom 2:57
8. Under Control 3:06
9. The Way It Is 2:22
10. The End Has No End 3:07
11. I Can't Win 2:34

 Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: What Ever Happened?; Reptilia; Automatic Stop; Under Control

Gorillaz - Demon Days (2005)

Luego de cuatro años de su presentación hacia el mundo de la música, Gorillaz, el que sería el proyecto y banda musical virtual más exitosa, lanzaría su segundo álbum el 24 de Mayo de 2005, Demon Days donde el sonido de la banda se vuelve aún más técnico y electrónico con un toque oscuro. El álbum es una obra conceptual, un álbum conceptual que hizo de la banda llegar al climax de su talento con importantes canciones como los singles "Feel Good Inc.", "Dirty Harry", "Dare" y "Kids With Guns". Damon Albarn desarrolló una historia en donde los personajes de Gorillaz viven en un mundo post apocalíptico destruido por la misma humanidad y que para sobrevivir utilizan la es música, el amor y el baile como principales sustentos.
El que una vez fue el salvador del Pop Rock británico contrastando los sonidos de bandas como Iron Maiden o Saxon entre muchas más, en esta oportunidad estaría creando un álbum fuera de la imaginación de su seguidor más fiel siendo el doble de inesperado que el álbum debut.

Demon Days es más completo y técnico que su predecesor con una gama de géneros que van desde el hip hop convencional, hip hop experimental hasta el rock alternativo y la muestra y el punto de fusión exacto es su más popular canción "Feel Good Inc." para muchos un clásico para otros no tanto pero lo cierto es que el modelo de canción que creo Damon y Hewlett (ilustrador de Gorillaz y también compositor) es sinceramente fantástico pero no todas las canciones son así obviamente.

El álbum comienza con una intro con sirenas y un loop seguido de una seguidilla de canciones, cinco para ser exactos, donde reluce el material y la idea electrónica del álbum con ayuda del órgano y sintetizadores logra cada canción atraparnos más: "Last Living Soul" con un ritmo hipnótico, "Kids With Guns" con una excelente producción en guitarras y sonido y por parte de Damon en su performance, "O Green World" como la más animada y rápida en comparación con sus predecesoras que gozan de un ritmo sereno y llegando al "Dirty Harry" jugando un papel coprotagonista en el álbum donde la letra nos habla de que la música es lo que los mantiene en pie a nuestros personajes después de una catástrofe a nivel mundial. La canción tiene esencia minimalista y goza de un sonido Dance combinado con un coro a cargo de San Fernando Valley Youth Chorus. Cerrando esta etapa del álbum donde nos demuestra una oscura, pero no tanta, realidad en la que están inmersos llega la brillante "Feel Good Inc."  mezclando lo que parecía ser una canción similar a "O Green World" pero con un par de revoluciones más con la voz de Albarn en lo-fi donde de repente y con furia aparece De La Soul para hacernos dar cuenta que lo que estamos escuchando es una canción más de Hip Hop de la banda.

Cerrando esta etapa un poco más electrónica que la segunda que no decae en habilidad pero quizás si en consistencia entre canción y canción pero podemos encontrar canciones como la somnolienta "Every Planet We Reach Is Dead", "November Has Come" con un encendido MF Doom donde entre verso y verso acompañado de una base a lo Gorillaz con un estribillo de Albarn la convierten en una de las mejores canciones con la etiqueta "Hip Hop" más interesantes de la banda que quizás se atreve a pasar en desapercibido. No podemos no nombrar a "Dare", el éxito de electropop de la banda teniendo una soltura y una alegría que no suele tener todo el álbum y destaca lo más electrónico del mismo.

Demon Days es un guiño a la destrucción, un guiño a la alienación que si los fans de Gorillaz no llegaron demasiado lejos con el primer álbum a darse cuenta de cual es el mensaje que transmite, quizás aquí al ponerlo como concepto principal quizás llega a los oyentes con más libertad y más facilmente. No es fácil hablar con certeza en que se concentra este gran álbum pero de algo que estoy seguro es de Damon fabrica trabajos conceptuales y conscientes con el fin de transmitir un mensaje final impactante.

Lista de Canciones

1. Intro 1:03
2. Last Living Souls 3:10
3. Kids With Guns 3:45
4. O Green World 4:31
5. Dirty Harry 3:43
6. Feel Good Inc. 3:41
7. El Mañana 3:50
8. Every Planet We Reach Is Dead 4:53
9. November Has Come 2:41
10. All Alone 3:30
11. White Light 2:08
12. Dare 4:04
13. Fire Coming Out of The Monkey's Head 3:16
14. Don't Get Lost in Heaven 2:00
15. Demon Days 4:28

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Last Living Souls, Kids With Guns, O Green World, Dirty Harry, Feel Good Inc.

System of a Down - Toxicity (2001)

Lanzado el 4 de Septiembre del año 2001, Toxicity es el segundo álbum de estudio de la banda estadounidense integrada unicamente por integrantes de ascendencia armenia, System of a Down.
Comenzaron su carrera con un álbum bastante dinámico y un tanto agresivo como lo fue su álbum debut y homónimo pero lo que vendría para ellos en los años siguientes y a comienzos del siglo XXI sería el clímax de la banda para ellos y para muchos fans que coinciden en que esta fue la mejor etapa de ya dicha banda.

Alternative Metal, Nu Metal
American Recordings

Toxicity tiene toda la potencia necesaria para ser considerada un clásico y es el símbolo representativo de la banda desde lejos. Toxicity ante que nada aparte de representar el sonido más clásico de la banda es el más crítico y el más humano de la banda, pretende demostrar el contexto social destruido o la parte destruida mejor dicho de la sociedad impune y llena de injusticias repudiando un sistema que tergiversa muchas actitudes humanas. Uso de drogas, sistema carcelario, injusticia judicial, ciencia y religión son algunos de los temas que abarca Toxicity convirtiendo a Serj Tankian (voz) y Daron Malakian (guitarra) en unos de los compositores mas inteligentes y dinámicos con los que me he encontrado. 

El trabajo de System siempre se trató de esto, de problemáticas que lleguen al oyente de forma que tomen conciencia de lo que están oyendo en el momento y debido a esto canciones como "Chop Suey!" durante su lanzamiento aconsejaban no pasarla en la radio debido a los recientes atentados en Estados Unidos el 11 de Septiembre de 2001, siete dias después del lanzamiento del álbum. Ahora bien, "Forest" y "Chop Suey!" abordan un tema más delicado como lo es la religión, la crucificción de jesus y el génesis y la creación, en caso de esta última tiene una temática bastante pesimista y triste haciendo referencias al suicidio. "Deer Dance" y "Aerials" son sin dudas liricamente las mejores composiciones del grupo y es que "Aerials" es un clásico del metal y mucho mejor que el comercial "Toxicity" siendo también la mejor canción de la banda en general.

El sonido de System aca se distingue sobre sus inicios por sus abruptos cambios dentro de una misma canción en un corto lapso de tiempo pero de una manera creativa y aceptable. La voz de Serj y los instrumentos pasan de ser suaves a riffs pesados y distorsionados de un segundo para el otro y es algo que se realiza en casi todas las canciones. Los riffs y los punteos agudos como en la mitad de "Psycho" se vuelven geniales y el sonido cada vez mejor. La melodía de la voz de Serj no me parecía tan agradables en "Peephole" o "Spiders" (canciones de System of a Down, 1998) como en "Needles" o "Forest".

En días donde bandas de Hard Rock todavía se encontraban entre lo más importante del panorama, Toxicity hizo de la banda famosa en todo el mundo convirtiéndose en un álbum multiplatino con 12 millones de copias vendidas y con varias nominaciones a Grammys. 

Lista de Canciones: 

1. Prison Song 3:22
2. Needles 3:13
3. Deer Dance 2:56
4. Jet Pilot 2:06
5. X 1:58
6. Chop Suey! 3:31
7. Bounce 1:55
8. Forest 4:01
9. ATWA 2:59
10. Science 2:43
11. Shimmy 1:52
12. Toxicity 3:39
13. Psycho 3:48
14. Aerials 3:56
15. Arto 2:17

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Needles; Forest; Toxicity; Psycho; Aerials

Gorillaz - Gorillaz (2001)

Gorillaz es un proyecto ambicioso y digital creado por el vocalista británico de la banda de Rock Alternativo Blur en conjunto con Jamie Hewlett un historietista que tenía hasta el momento como creación principal su cómic Tank Girl. La idea y el proyecto fue siempre muy ambicioso. Gorillaz es un proyecto donde la banda tiene como protagonista a cuatro personajes ficticios que hacen su aparición en recitales como personajes totalmente digitales, es por esto que se la considera una banda digital y la más triunfante y exitosa hasta el momento.
La banda se formó en el año 1998 con los integrantes 2-D, Noodle, Murdoc Niccals y Russel Hobbs el cual cada integrante también gozaría de carácter, gustos e historia ficticia propia.
El primer álbum de Gorillaz de larga duración llega en el año 2001 mezclando una impresionante gama de géneros en un mismo trabajo tales como el Hip Hop, el Rock Alternativo y la Música Electrónica entre otros.

El álbum podría considerarse como una prueba de fuego que de haber salido mal quizás no se repetiría ni se seguiría llevando a cabo pero tuvo una crítica bastante positiva y demandó mucho trabajo, no es facil mezclar todo esto y que encima nos salga y se forme una linea conjunta de sonidos definidos como lo es el álbum.

A pesar de todas las combinaciones que forma Gorillaz, predomina suave y disimuladamente las estructuras electrónicas que forma Trip Hop, ya con un comienzo ecléctico e infravalorado con Re-Hash y 5/4 en donde podemos ver mucho de la banda aquí en una sola canción: guitarra, sintetizadores, agresividad y arreglos y clímax electrónico. Los sencillos del álbum fueron Rock The House, Clint Eastwood, 19-2000 y Tomorrow Comes Today, esta última como quizás el alter ego del álbum y de los primeros años de la banda conociéndose como una de las canciones más destacadas del álbum con una composición fácil, cuidadosa y que en pocas palabras te convence del todo junto con el beat rítmico que le de una cara mucho más urbana al álbum. Por otro lado, el sencillo más popular, Clint Eastwood, es también el sencillo más popular de este trabajo. Con la ayuda de Del Tha Funkee Homosapien que también aporta sus estrofas de rap en Rock The House, la canción de actor es una clara referencia a uno de los temas abarcativos más importantes que se manifiestan en las canciones: El futuro y la alienación, algo que al parecer Damon quiere que despertemos y nos alejemos de ella (Punk es otro claro ejemplo), Del Tha en el videoclip del sencillo es un fantasma que poseyó el cuerpo de Russel y como el despertó, nos habla de que en realidad nosotros también tenemos algo por ver en el futuro y en la vida que llevamos a cabo.

La segunda parte del álbum es un poco más oscura donde gana terreno lo instrumental del Trip Hop. Pasajes de beats acompañados de órganos y sintetizadores es música para los oidos de algunas personas más exigentes pero están también los éxitos pop como Rock The House y 19-2000 y la sorpresa para mí, el toque latino en todo esto y la frutilla del postre de la variación de subgéneros Latin Simone (Que Pasa Contigo) una hermosa balada "jazzera" con influencia caribeña que rompe el orden entre una pista y otra.

Lista de Canciones

1. Re-Hash 3:40
2. 5/4 2:42
3. Tomorrow Comes Today 3:14
4. New Genious (Brother) 4:00
5. Clint Eastwood 5:44
6. Man Research (Clapper) 4:33
7. Punk 1:38
8. Sound Check (Gravity) 4:43
9. Double Bass 4:47
10. Rock The House 4:11
11. 19-2000 3:30
12. Latin Simone (Que Pasa Contigo) 3:39
13. Starshine 3:33
14. Slow Country 3:38
15. M1 A1 4:01
16. Clint Eastwood (Ed Case / Sweetie Irie Re-Fix) (Edit) 3:44
17. 19-2000 (Soulchild Remix) 3:27

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Re-Hash; Tomorrow Never Comes; Clint Eastwood; Latin Simone (Que Pasa Contigo)

Linkin Park - Meteora (2003)

Meteora es el segundo álbum de estudio de la banda de Nu Metal y Rap Metal, Linkin Park. Publicado el 25 de Marzo de 2003 superó completamente las expectativas de ventas en tan solo una semana vendiendo mas de 800.000 ejemplares. Meteora se podría definir resumidamente como una recapitulación de Hybrid Theory, una segunda parte en la que podemos apenas diferenciar o notar algunos cambios en la banda que ha implementado aquí.

Hasta la estética y el arte de tapa, por cierto muy bueno, nos puede parecer familiar y/o parecido al álbum precedente, pero no todo es tan similar. Si bien aquí la banda de California sigue una temática de chico Hip-Hop melancólico un tanto enojado con la vida, la música en realidad si tiene un cierto cambio. Linkin Park venía de ser potencia sin bajar los decibeles con coros que gritaban a la par de Bennington complementándose con Shinoda aca es diferente. La lírica y las bases suaves ganan terreno volviéndolo un álbum más melódico y tranquilo por parte de ambos cantantes mostrándose más evidente en Shinoda. Canciones donde igualmente sus temas siguen teniendo su "climax" en alguna parte donde la voz de Chester se vuelve áspera y desgarradora pero la verdadera escencia del álbum nace en que se volvió algo más rap que rock en esta ocasión.

Al ser un álbum mucho más melódico también lo volvió aún más triste, si no había suficiente angustia en las letras compuestas por la banda nos encontramos con facetas indefinidas u indecisas como en la popular Numb - "Todo lo que quiero hacer es ser más como yo y menos como tú"-, en Don't Stay -"A veces necesito recordar solo para respirar, a veces necesito que estes alejado de mi" o la dura autocrítica personal que presentan algunas de las letras como en Lying From You y Somewhere I Belong. A pesar de esto, quedé fascinado con "Nobody's Listening" enteramente, hasta con su peculiar shakuhachi (flauta japonesa) usado como base de fondo, innovador. Finalizando Meteora nos encontramos con que esto si realmente parece un segundo capítulo, podemos escuchar un instrumental al igual que en Hybrid Theory de DJ Hahn haciendo Scratching  y con Shinoda en el piano.

Hago honores a Nobody´s Listening pero aquí lo que te hace dar cuenta que no estas perdiendo tu valioso tiempo es ese verdadero metal alternativo vivo en "Breaking The Habit", una de las mejores canciones de esta primera etapa de la banda.

Lista De Canciones

1. "Foreword" 0:13
2. "Don't Stay" 3:07
3. "Somewhere I Belong"(*) 3:33
4. "Lying From You"(*) 2:55
5. "Hit The Floor" 2:44
6. "Easier From Run" 3:24
7. "Faint"(*) 2:42
8. "Figure.09" 3:17
9. "Breaking The Habit"(*) 3:16
10. "From The Inside"(*) .2:53
11. "Nobody's Listening" 2:58
12. "Session" 2:23
13. "Numb"(*) 3:08

(*) : Lanzadas como sencillos

Mi Calificación: 3/5 Estrellas

Arctic Monkeys - Whatever People Say I Am, That's What I'm Not (2006)

Whatever People Say I am es el álbum debut de la banda de Indie Rock Británica de la ciudad de Sheffield, Arctic Monkeys, publicado el 23 de Enero de 2006.
El disco pudo haber cambiado completamente la forma de venta de la música en ese momento. Ciertamente Arctic Monkeys fue una de las primeras bandas de primera categoría, y de las mas populares y demandadas, que supo aprovechar la internet para crecer tanto en ventas como en audiencia. Los Arctics preparaban material y era difundido por la red social Myspace. Hoy en dia ya es un recurso un  tanto más común y corriente la internet y plataformas sociales para difundir material músical, pero en ese entonces, ellos fueron toda una innovación.

Las canciones de este álbum tienen una lírica sumamente extensa, metafórica y sarcástica. Los dotes de Alex Turner como compositor y letrista llevaron hacia lo más grande a los Arctics aunque no solo por eso obviamente. El álbum es enérgico y rítimico con típicas pausas producidas por la banda después de una fuerte instrumentalización para dale el pie a Alex y volver a comenzar, encontramos también riffs bruscos y rápidos sin pasarse de la raya de lo que significa ser una banda Garage Rock pero si identificándose como una banda Post-Punk. En general, todo el trabajo es rico en rítmos de calidad que produce ganas de hacer un Headbanging constante.

Frecuentemente Alex insiste en sus letras en situaciones como el baile, la noche, la fiesta y las mujeres, o en todo caso en como las mujeres causan diferentes cosas con tan solo una mirada, que yo creo que también es algo que utiliza mucho aquí, la mirada. La grandeza de este disco se entremezcla en el extenso desarrollo que puede tener una situación de unos pocos segundos dentro de sus letras y el gran ritmo instrumental que tiene. Nos hemos dado cuenta con esto que Jamie Cook es un músico excepcional también como guitarrista lider.

Por recursos vocales como en el comienzo de "Still Take You Home" o el marcado ritmo en las lineas del estribillo de "The View From The Afternoon" o la forma de terminar el mismo en "I Bet You Look Good On The Dancefloor" que posee Turner, este álbum se vuelve tan grande.

Whatever marcó el récord de mayores ventas de un álbum debut en menor tiempo en Reino Unido mientras que del otro lado del charco si bien no le fue nada mal, sus ventas en un año en Estados Unidos no pudieron igualar los números de ventas de la primera semana en su país de orígen. Arctic Monkeys se volvió una banda que entre ventas y críticas la gente y la prensa la mantuvo entre algodones

Lista De Canciones

1. "The View From The Afternoon"*3:38
2. "I Bet You Look Good On The Dancefloor"*2:53
3. "Fake Tales of San Francisco"*2:57
4. "Dancing Shoes" 2:21
5. "You Probably Couldn't See For The Lights but You Were Staring Straight at Me" 2:10
6. "Still Take You Home" 2:53
7. "Riot Van" 2:14
8. "Red Light Indicates Doors are Secured" 2:23
9. "Mardy Bum" 2:55
10. "Perhaps Vampires Is A Bit Strong but.." 4:28
11. "When The Sun Goes Down"*3:20
12. "From The Ritz To The Rubble" 3:13
13. "A Certain Romance" 5:33

*: Lanzados como sencillos

Mi Calificación: 4/5 Estrellas

Kanye West - The College Dropout (2004)

La carrera de Kanye West comienza mucho antes que su debut con un álbum de estudio, hay que remitirse a mediados de los años 1990s donde dejó todo lo que estaba estudiando para comenzar una carrera como productor musical de Hip Hop. Paso años y Kanye produjo para artistas cada vez más importantes hasta hacerse conocido y recomendado por varios músicos, inclusive llegó a producir el mejor álbum de Jay-Z, "The Blueprint" llevándose el credito de haber revivido su carrera con semejante álbum a comienzo de siglo.
Ahora era el turno de Kanye, su verdadero anhelo era ser rapero, un verdadero MC. Debido a todos estos trabajos, incluso llegó también a ser un compositor fantasma, West no representaba el estereotipo de rapero gangster de las calles de Compton o New York, West llegaba siendo grande, una persona con más clase y cátedra que un maliante o un gangster encapuchado o lleno de cadenas relucientes.

Kanye tenía la idea de grabar un álbum ya hace tiempo, es por esto que las canciones fueron grabadas desde 1999 hasta el 2003 para que finalmente el trabajo salga a la venta el 10 de febrero de 2004.

El álbum es conceptual, al escucharlo nos entrometemos en la vida de un joven que todavía esta dentro de la secundaria. El álbum es extenso con 76 minutos de duración observamos varios versos que nos remiten a este ambiente escolar y hasta el tema de la graduación, el álbum goza de recursos del soul y el gospel, la voz de Kanye es primordial. El álbum contiene seis pistas que consisten en skits o skechs satíricos que dan lugar luego a las canciones. tuvo colaboraciones destacadas con Syleena Johnson en la hermosa "All Falls Down" donde habla de una mujer universitaria, la canción es sutil, rítmica y el estribillo de Syleena es simplemente hermoso; Colaboración con Consequence y GLC en "Spaceship" donde su ambición de - Comprarse una nave espacial y llegar más alla del cielo - lo estaba llevando lejos sin darse cuenta mientras que la colaboración con Jay-Z en "Never Let Me Down" es supremacía pura con aires de grandeza.

Ciertas partes del álbum y de la lírica de West no logro entenderla pero lo que me quedó bien claro es que a pesar de su gozo como productor y buen momento como artista que vivió posterior a este álbum, Kanye tenía dolor e incertidumbre, le afectó mucho la muerte de su madre y eso se refleja en canciones. Lejos de ser un álbum promedio, el señor West llegó a grabar lo que yo designaría como una de las mejores piezas conceptuales de los últimos 20 años en donde hasta se atrevió a demostrar su fe en un dios. "Jesus Walks" es un tema aparte, es el alter ego sobre todas aquellas canciones de este álbum diciendo cosas tan reales - Estamos en guerra con el terrorismo, con el racismo pero sobre todo estamos en guerra con nosotros mismos-.

Kanye hizo un trabajo digno de ser llamado una gran resurrección del Hip Hop clásico, tranquilos, aún habría muchos años más de Hip Hop mientras que artistas traten de copiar la pasta y el estilo de West.

Lista De Canciones

1. "Intro" 0:19
2. "We Don't Care" 3:59
3. "Graduation Day" 1:22
4. "All Falls Down" 3:43
5. "I'll Fly Away" 1:09
6. "Spaceship" 5:24
7. "Jesus Walks" 3:13
8. "Never Let Me Down" 5:24
9. "Get 'Em High" 4:49
10. "Workout Plan" 0:46
11. "The New Workout Plan" 5:22
12. "Slow Jamz" 5:16
13. "Breathe In, Breathe Out" 4:06
14. "School Spirit Skit 1" 1:18
15. "School Spirit" 3:02
16. "School Spirit Skit 2" 0:43
17. "Lil Jimmy Skit" 0:53
18. "Two Words" 4:26
19. "Through The Wire" 3:41
20. "Family Business" 4:38
21. "Last Call" 12:40

Mi Calificación: 4,5/5 Estrellas

Slipknot - Iowa (2001)

Al hacer un álbum debut tan impactante como fue su disco homónimo en el año 1999, Slipknot decidió apostar por más. Luego del gran éxito y de convertirse en el primer disco de platino de la discográfica Roadrunner Records, lográndolo en Canadá y Estados Unidos, y luego de extensas girar, se ponen a trabajar de nuevo en un álbum más volcado al resentimiento y odio pero siendo igual de brutal que su antecesor. Iowa fue un triunfo tanto publicitario y comercial como a nivel musical.

Iowa recibe el nombre por el estado de donde provienen los integrantes de la banda y que a menudo se inspiran en el para sus canciones. Iowa es de lo más oscuro de la banda y refleja justamente el espíritu que tenía por aquel entonces, oscuro, con remordimiento y un sentimiento de odio. La banda pasaba por su peor época, no se ponían de acuerdo, discusiones y sesiones silenciosas momentos previos a grabar.

En lo musical, Iowa es de lo más brutal que podemos encontrar de Slipknot, la voz desgarradora de Corey Taylor esta vez acompañada de arreglos corales brutales y efectos de sonidos atroces como gritos por lo bajo y guitarras distorsionadas, también podemos encontrar su voz melódica y a comparación del primer trabajo, la percusión no se luce lo que no quiere decir que no sea buena sino quiere decir que en el primer álbum fue francamente envidiable.

A decir verdad las letras son demasiado gráficas y en casos gore como en Disasterpiece y otras un tanto metafóricas con un aura bastante depresiva como en el caso de Left Behind y My Plague. Inmediatamente gracias a Iowa, Slipknot se convertiría en lo que sería una banda líder y referente tanto de la nueva ola de metal americano como del Nu Metal y/o Rap Metal arrazando a bandas como Limp Biskit y Linkin Park y tomando un perfil mas similar a Korn.

Taylor y su banda decidieron doblegar la apuesta y el resultado fue este buen álbum que a pesar de ser un tanto monótono por lo temas a tratar, se trata de un álbum profundo y abstracto.

Iowa fue top 10 en nueve paises y Left Behind fue nominada al Grammy por mejor interpretación de Metal.

Lista De Canciones

1. "(515)" 1:00
2. "People = Shit" 3:36
3. "Disasterpiece" 5:08
4. "My Plague" 3:40
5. "Everything Ends" 4:14
6. "The Heretic Anthem" 4:14
7. "Gently" 4:54
8. "Left Behind" 4:01
9. "The Shape" 3:38
10. "I Am Hated" 2:38
11. "Skin Ticket" 6:41
12. "New Abortion" 3:37
13. "Metabolic" 3:59
14. "Iowa" 15:05

Mi Calificación: 3,5/5 Estrellas

Arcade Fire - Funeral (2004)

La banda canadiense Arcade Fire compuesta por la pareja matrimonial de vocalistas Win Butler y Régine Chassagne, el hermano de Win, William, Richard Parry, Jeremy Gala y Tim Kingsbury debutaría con un álbum de estudio con Funeral publicado el 14 de septiembre de 2004 que como bien indica su nombre esta obra entre otros profundos temas como la melancolía, la madurez y el pasar de los años, incluye a la muerte.
Para ser sincero me tomo tiempo entender un álbum tan profundo como Funeral, y eso es lo desesperante, no entenderlo a la primera me inquietó realmente porque un álbum como este fue tan trascendental tanto para la audiencia como para la crítica especializada. Fue nombrado por muchos medios el mejor álbum del año 2004 e incluso entre los mejores de la historia ya sea por Rolling Stone, Blender, NME etc.

La música de Arcade Fire es Indie, es decir, independiente. Gracias a su profesionalismo y carisma en el escenario, amplia gama de géneros abarcados musicalmente y de gran calidad musical, el éxito de Arcade Fire a pesar de no firmar con una discográfica importante, fue inmediato, en tres años ya eran reconocidos internacionalmente y todo gracias a Funeral, aclamados hasta por artistas como U2 y David Bowie que tuvieron la oportunidad de interpretar temas con ellos en aquellos años.

El álbum posee una instrumentación bastante brusca y diversa como ya dije antes, presenta hermosos violines, piano, chelo, acordeón y arpa que hacen que por poco nos olvidaramos que se trata realmente de una banda de rock/pop, pero Arcade Fire se formó para mostrar que las etiquetas en la música a veces están de más. Funeral decorado con todos estos instrumentos se lo puede catalogar como Pop Barroco o como hoy en dia se lo menciona, Chamber Pop. Las letras son muy profundas y melancólicas, entendemos que los protagonistas de esta historia están tristes, extrañan, quieren y aman. Esto es una dedicatoria para los parientes cercanos de los vocalistas que justamente fallecieron durante la grabación de este trabajo.

Volviendo a la parte lírica del álbum, un recurso muy recurrente, aparte de la muerte, es la soledad, la oscuridad y una tormenta, que se refiere a una tormenta de nieve polar ocurrida en Norteamérica pocos años antes del lanzamiento del álbum. Cada canción nos detalla un momento de soledad o de abandono. El cuarteto de canciones del vecindario "Neighborhood #1, #2, #3 y #4 con sus respectivos nombres, es algo sumamente placentero de escuchar y es junto con Haiti (cortesía de Regine) y Wake Up los platos fuertes del disco y también los de más variación musical. Por otra parte, la no tan entretenida "Crown of Love" rellena esa falta de carisma con una de las letras más hermosa que halla podido escribir la banda.

Arcade Fire fue un proyecto sumamente innovador, si años antes The Strokes fue el golpe, Arcade Fire fue el remate de la paliza llamada Indie Rock.

Lista De Canciones: 

1. "Neighborhood #1 (Tunnels)" 4:48
2. "Neighborhood #2 (Laika)" 3:32
3. "Une Anée Sans Lumiére" 3:40
4. "Neighborhood #3 (Power Out)" 5:12
5. "Neighborhood #4 (7 Kettles)" 4:49
6. "Crown of Love" 4:42
7. "Wake Up" 5:35
8. "Haiti" 4:07
9. "Rebellion (lies)" 5:10
10. "In The Backseat" 6:20

Mi Calificación: 4,5/5 Estrellas

The Strokes - Is This It (2001)

Conquistando desde el primer instante tanto a su primer mánager que decidió cambiar su trabajo por ellos, como a su público de turno en Nueva York. Is This It es el álbum debut de la banda estadounidense The Strokes liderada por el vocalista Julian Casablancas y amigos de la infancia como Nick Valensi (guitarra), Albert Hammond Jr, (guitarra), Nikolai Fraiture (bajo) y Fabrizio Moretti (batería) publicado a comienzo del nuevo milenio el 20 de agosto de 2001. De repercusión inmediata gracias a su primer sencillo "The Modern Age" lanzado meses antes, Is This It para muchos presentó una faceta nueva del Garage Rock en este milenio pero que digamos, no fue demoledora. Al fin y al cabo este álbum se puede encontrar mucha crítica contradictoria acerca de su calidad, pero lo cierto es que siempre tuvo y tendrá aires de grandeza, importancia e influencia en subgéneros del rock que son innegables y que no por nada se los denominó los "Salvadores Del Rock".
Gracias a su rápido rítmo de mezclas del indie hasta el thrash  y letras típicas de vivencias de la mesoadolescencia, Is This It se colocó en el corazón de más de uno tanto en el público como en la crítica. Paso a ser un álbum referente de los últimos años del rock y de la modernidad de este. El trabajo de los Strokes es pegadizo, duro y hasta por partes bailable, realmente brillante a pesar de muchos va y vienes y criticas que vendían pescado podrido. El álbum contiene de las canciones más importantes de la banda como "Is This It", "Soma", "Someday", "Barely Legal" Y "Last Nite".

Segunda portada

Portada original 

Is This It fue un capítulo bastante accidentado en la historia de The Strokes si contamos que debió cambiar la portada del álbum y que debió modificar el orden de sus canciones y la censura de "New York City Cops", canción que en su estribillo insistía en que los policías de Nueva York no eran lo suficientemente listos. Estos cambios se debieron al posterior atentado del 11 de septiembre al World Trade Center justo en la ciudad de los Strokes. La gente no estaba como para tolerar un estribillo denigratorio. Is This It utiliza a lo largo de todo el álbum compases 4/4 del Garage Rock lo que lo identifica como un sonido fuerte y juvenil con la potente voz de Casablancas con la ayuda de arreglos lo-fi por parte de la producción que convierte a las canciones como "The Modern Age" en joyas. The Strokes podrían ser considerados como uno de los últimos en tener ideas originales con respecto al Rock.

Lista De Canciones:

1. "Is This It" 2:31
2. "The Modern Age" 3:28
3. "Soma" 2:34
4. "Barely Legal" 3:55
5. "Someday" 3:04
6. "Alone, Together" 3:09
7. "Last Nite" 3:14
8. "Hard To Explain" 3:44
9. "New York City Cops" 3:31
10. "Trying Your Luck" 3:23
11. "Take It or Leave It" 3:16

Mi Calificación: 5/5 Estrellas

Linkin Park - Hybrid Theory (2000)

El metal moderno, el comienzo de su estilo "híbrido" con mezclas de rap y metal que llega a nuestros oídos desde la publicación de "Hybrid Theory" el 24 de octubre del 2000 como álbum debut de la banda grabado en NRG Recordings en California con una duración de 37:48, el título de álbum se debe al primer nombre de la banda que debido a discusiones legales tuvieron que cambiarlo.
Hybrid Theory manifiesta mucho de los problemas que Chester Bennington (voz) le tocó vivir durante su época de adolescencia tales como la adicción a las drogas y el sufrimiento del abuso sexual y maltrato infantil. Este álbum instala sus bases rítmicas con turntalism, samples y programación aparte de los instrumento convencionales que posee una banda de rock o metal, apoyándose asimismo sobre las voces y lírica de Chester y Mike Shinoda como segunda voz del grupo interpretando narraciones melancólicas y duras en las canciones que llegan en cierto punto a ser repetitivas en la temática del álbum  - "No puedo soportar más esto"/ "Me esforcé tanto y llegue tan lejos pero al final eso ni siquiera importa" - siempre sosteniendo esa agresividad rítmica tanto en los instrumentos como en la voz de ambos lo que genera un ambiente alterno al hard rock convencional.

Con un ritmo convincente desde "Papercut" pasando por elalter ego de la banda "In The End" y por innecesario intervalo de hip-hop "Cure for the itch" hasta "Pushing me away" Hybrid Theory se excede en una catarsis personal
Lista De Canciones:

1. "Papercut" 3:05
2. "One Step Closer" 2:35
3. "With You" 3:23
4. "Points Of Authority" 3:20
5. "Crawling" 3:29
6. "Runaway" 3:04
7. "By Myself" 3:10
8. "In The End" 3:36
9. "A Place For My Head" 3:04
10. "Forgotten" 3:14
11. "Cure The Itch" 2:37
12. "Pushing Me Away" 3:11

Mi Puntuación: 4,5/5 Estrellas